Literalmente, sacar de la nada algo que solo existe en la imaginación.
La persona aplica a sus sentidos y engendra una obra personal nueva, que no estaba antes ahí, contenidos y desarrollos de su mente y por tanto es lo que hace que esta obra sea exclusiva, individual.
Lo interesante de la creatividad es que el fluir de las energías internas de la persona (básicamente la transformación de estímulos del circuito endocrino) se aplica a los bancos de memoria cerebral para extraer una elaboración intelectual que dé soporte al proceso de transformación emocional. Sin emoción no hay creación, el intelecto solo analiza, recuerda, mide, clasifica, discrimina, pero quien crea es la emoción porque ha de sacar algo nuevo y que por lo tanto al intelecto puede parecerle una tontería.
Es una actividad autogenerativa, la creación individual está constituida por una energía tan poderosa que revierte al creador y lo regenera. El acto de crear es un hijo que revierte al padre su propia experiencia, enriqueciéndolo. Y como la creación individual es es un acto de voluntad, y depende solo de los grados de libertad que haya alcanzado el individuo como ser auto-diferenciado, no se agota, no termina, y muchas veces sus efluvios sobreviven al creador.
Juan Trigo
Imagen: Nik Ainley
La paradoja del proceso creativo surge, a mi entender, cuando el artista logra un grado de reconocimiento social, y por tanto económico, de tal calibre que, a la vez que su ego es por consiguiente exaltado al máximo, su existencia es literalmente devorada por el maremágnum del éxito en sí. Esto le provoca, por así decirlo, demasiadas emociones que agotan su capacidad creativa. Como la industria y el público han apostado por su obra no pueden – ni quieren- rendirse a esta evidencia. Le exigen más de lo mismo, que se copie a sí mismo, aún a costa de transmitirnos su emoción más sincera, es decir, su creatividad.
Así nos debatimos en la contraicción de ignorar obras auténticas pero desconocidas y venerar obras reconocibles pero que muchas veces han deteriorado su veracidad.
Cuando el estado paternalista apoya y financia las obras de determinados artistas, a la vez que las difunde y sostiene, las vampiriza y estrangula. Nadie puede morder la mano que le da de comer, y el artista no puede ser honrado si está siendo esponsorizado por el gobierno o el capital.
Un intermedio más sensato sería que nuestras sociedades reconocieran el trabajo creativo como tal, no como una excentricidad o capricho transgresor. Y que los artistas pudieran vivir dignamente de su tarea sin ser elevados a la categoría de semi-dioses, pero sin tampoco morirse de hambre por el hecho de tener emociones que transmitir. Un término medio, como en cualquier otro oficio manual, de investigación, intelectual… creativo.
Apuntar que lo que entendemos por “riesgos laborales” en el caso de los creadores está muy por definir, siendo, sin embargo, un salto en el vacío muy, pero que muy, arriesgado.
Muy bueno!!
Tal como yo lo veo el ideal del acto de creación es aquel que el creador lo realiza para un publico inexistente, y es consciente de eso, a incluso lo prefiere, crear para ser olvidado, pero crear por puro arrebato pasional consigo mismo aunque provocado por su reacción con el mundo. El reconocimiento social es un subproducto. Las mejores novelas se han escrito cuando el autor se encontraba sometido a presión o encerrado en alguna parte, o loco, como Van Gogh. Por eso son reconocidas después de la muerte del autor. Cervantes escribió el Quijote en la cárcel, solo por necesidad de escribirla.
Al hilo de lo que aquí se habla os envío un enlace muy interesante que espero que os gustehttp://www.ted.com/talks/lang/es/paula_scher_gets_serious.html?source=facebook#.T5HNJT-dZw1.facebook